Nuevas formas de protesta: Net Art y Artivismo

La protesta como acción social y política, es una muestra de disconformidad, de descontento u oposición que ha estado presente en nuestra sociedad como una forma de libertad de expresión en contra de aquellos parámetros que de alguna manera funcionan como motores del poder, los cuales generan discrepancias entre diferentes sectores de una comunidad.

Un ejemplo claro y de repercusión mundial fueron las revueltas del Mayo del 68 iniciadas en Francia, concretamente en París. Los sectores estudiantiles universitarios y secundarios y el movimiento obrero protagonizaron una de las protestas más significativas de la historia, que tuvo origen en la oposición a la guerra de Vietnam y el imperialismo.

Esta ola de protestas protagonizada por los sectores politizados de la juventud francesa se fue extendiendo a nivel mundial, ya que se sitúan en un periodo de posguerra, un periodo en el que el acceso a la educación superior ejerce un peso importante para crear una conciencia social.

A pesar de la gran repercusión que tuvo este echo en la historia, hoy en día es un acto con el que estamos bastante familiarizados. La protesta política y social se ha convertido en un eje importante dentro de la sociedad, aplicado a diferentes materias, entre ellas la del arte.

Así como el Mayo del 68, fue un acto protagonizado por el pueblo, en el mundo del arte existen una infinidad de hechos y obras cuya temática esta basada en la oposición a hechos político-sociales, desde el Guernica de Picasso, pasando por movimientos que criticaban el propio arte como el Dadaísmo, hasta llegar a nuestra era posmoderna donde las formas de expresión sobrepasan el límite del lienzo, incluso de las propias calles.

Actualmente nos encontramos ante una era totalmente digitalizada, la cual se ha extendido hasta unos límites insospechables. La red e Internet forman parte de nuestro día a día, y de la misma manera que nosotros lo usamos como herramienta de trabajo, existe una corriente de artistas que no sólo lo emplean como tal, si no que para ellos se ha convertido en el soporte de su propia obra.

Se trata de prácticas artísticas que muestran una experiencia estética específica en Internet desarrollando un lenguaje característico y utilizando la Web como medio para realizar protestas sociales y políticas, echo que rompe con el culto al “arte del pincel” y a las formas de revueltas a las que estamos acostumbrados.

Esta nueva tendencia de usar la Red como soporte es conocida de forma general como Net Art, dentro del cual existen obras de índole crítico que juegan con el humor irónico, la burla o el sabotaje como recurso principal de sus obras.

Estos net artistas han obtenido diferentes denominaciones en función a la acción que realizan dentro del ciberespacio. Se les conoce como Hacktivistas, Artivistas, Art-hacktivistas,etc pero en el fondo todas sus acciones u obras tiene una relación entre sí, y su principal objetivo es el de boicotear o criticar el ámbito político-social en el que nos encontramos actualmente, mediante un método, en ciertas ocasiones, satírico.

Los hacktivistas se pueden definir como una especie de hackers, como su propio nombre indica, cuya motivación obedece a intereses de carácter social y político, en ningún momento buscan el provecho personal.

Se basan en acciones de sabotaje orientadas a denunciar la peligrosa inclinación de la Red a emular todas las convenciones artísticas tradicionales: derechos de autor, objetualización y su consecuente comercialización.

Entre los autores que destacan dentro de esta nueva forma de protesta destaca el grupo 0100101110101101.ORG cuya línea de trabajo esta orientada a cuestionar y atacar la comercialización del arte y del Net Art a partir de proyectos como Darko Maver, la creación un artista inexistente acusado de anti-patriotismo, cuya obra fue censurada y perseguida.

O Contagious Paranoia obra presentada en la Bienal de Venecia del 2001 en el pabellón de Eslovenia que consistía en una crítica a la paranoia de los virus, creando uno denominado biennale.pv , que fue expandido por todo el pabellón.

El aire de ironía que utilizan este grupo de hacktivistas, esta vinculada con la actitud adoptada por los clásicos del Net Art, como Heath Bunting, Vuk Cosic o los JODI, entre muchos otros, cuyo activismo digital es la construcción de zonas temporalmente autónomas en el ciberespacio liberadas de comunicación que conectan diversas redes alternativas y generan otras.

De alguna manera, esta nueva formulación de la protesta en forma digital, ha resultado ser más simbólica que real. Los detractores de este arte digital consideran que este uso abusivo de la red ha dado lugar a que ya no se hable de problemas sociales, sino de problemas “mediales”, ya que la mayoría de estas acciones realizadas no van más allá del propio medio.

Si el objetivo de estos artivistas o hacktivistas pertenecientes al net Art es llamar la atención sobre cuestiones específicas llevando a cabo acciones fuera de lo común que atraigan a los medios de comunicación, podríamos decir que funcionan, en cambio, si pretenden mediante este nuevo arte protestante movilizar a las personas para que su denuncia tenga un alcance más profundo, sus técnicas son poco efectivas.

Sin embargo existen otro tipo de colectivos pertenecientes también a este grupo de activistas relacionados con el arte, cuyas acciones se desprenden del mundo digital en cuanto a materialización, pero se aprovechan de este recurso globalizado para conseguir la movilización de la gente.

Entre ellos, destaco a YOMANGO, colectivo que comenzó en el 2002 en Barcelona con una filosofia basada en los primeros movimientos antiglobalización y que se ha extendido por diferentes países. Su discur

so es una crítica irónica de la sociedad de consumo en la que vivimos actualmente, y su objetivo si que pretende

movilizar y concienciar a la gente sobre los problemas sociales, provocados por el capitalismo. Se les podría denominar como los nuevos artivistas del Mayo del 68.

Ellos optan por una forma de protesta más lúdica, divertida, creativa y que pueda interesar a la gente, intentando así llegar a todo el mundo. Los altos precios de la vivienda, la ecología, la especulación, el individualismo, el culto al cuerpo y el consumo feroz son algunos de los puntos de denuncia y de lucha que utiliza este colectivo.

Se les considera también un movimiento de hurto de tiendas ,ya que sus acciones están ligadas al robo de productos que nos vienen implícitos por el propio consumo.

Pero en realidad están denunciando la falta de la libre circulación, del uso y del disfrute colectivo de los objetos de consumo, de ahí también su nombre.

La primera de sus acciones, se convirtió en una de las más representativas del movimiento yomango, ya que para darse a conocer organizaron una presentación en sociedad, como toda marca.

Se apropiaron de parte del Portal del Angel, en Barcelona y comenzaron su espectáculo en la tienda de moda Bershka. Entre la multitud consiguieron extraer de la tienda un vestido de rebajas, que posteriormente se exhibió como obra artística en el CCCB, dentro del festival Inn Motion en el 2002.

Tras este simulacro de la obra de arte, el vestido fue depositado en la tienda de Zara del Portal del Ángel (en la sección de hombres) con el siguiente mensaje: “Yomango no trata del robo ni de la acumulación de propiedades, sino de la libre circulación de bienes y del deseo. Esta prenda desapareció, circuló por las calles, se fue de fiesta, y ahora quiere más. Yomango…¿Lo quieres?...Lo tienes.

Esta ofensiva mediática protagonizada por el colectivo Yomango, asi como el resto de proyectos de sabotaje presentandos anteriormente, son lo que yo denomino como nuevas formas de protesta.

Son protestas con una importante dosis de humor e ironía, herramientas que la convierten en una acción social más atractiva que las movilizaciones colectivas a las que estábamos acostumbrados.

Sin embargo, todo esto es cuestionable. Todos estos “artivistas” usan el medio digital con fines sociales, debido a que Internet, hoy en día, es un medio globalizador, no tiene límites y se puede acceder en todo el mundo al mismo tiempo

Sin embargo crítican y atacan este mundo globalizado, desde un medio globalizador, como Internet, utilizando al mismo medio como herramienta para combatir el modelo.

De manera que en cierto modo, estas nuevas de formas de protesta se banalizan, desde el momento en el que existe una contradicción entre su objetivo de acción y el medio que utilizan para llevarlo a cabo.

Máscaras y disfraces

1. f. Figura que representa un rostro humano, de animal o puramente imaginario, con la que una persona puede cubrirse la cara para no ser reconocida, tomar el aspecto de otra o practicar ciertas actividades escénicas o rituales.
2. f. Traje singular o extravagante con que alguien se disfraza.
3. f. Careta de colmenero.
4. f. Careta que se usa para impedir la entrada de gases nocivos en las vías respiratorias.
5. f. Pretexto, disfraz.
6. f. Zool. Órgano de las larvas de las libélulas y caballitos del diablo, que, en reposo, queda plegado bajo la cabeza y se extiende hacia delante para capturar las presas de que el animal se alimenta
7. f. pl. Reunión de gentes vestidas de máscara.
8. f. pl. Sitio en que se reúnen. Voy a las máscaras. Nos veremos en las máscaras.
9. f. pl. mojiganga (‖ fiesta pública de disfraces).
10. f. pl. mascarada (‖ festín).
11. f. pl. Festejo de nobles a caballo, con vestidos y libreas vistosas, que se ejecutaba de noche, con hachas, corriendo parejas.
12. com. Persona enmascarada. Al salir del baile encontré dos máscaras. quitar a alguien la ~.
1. loc. verb. desenmascarar (‖ dar a conocer los propósitos de una persona). quitarse alguien la ~.
1. loc. verb. Dejar el disimulo y decir lo que siente, o mostrarse tal como es.

FOTO: MASCARA VENECIANA

Orígenes
Tiene su origen en la mitología grecorromana. Consistía en colocarse unas máscaras de sátiro para que las ninfas accedieran a mantener relaciones sexuales. Existía la llamada caravana, barcos en los que llegaban los sátiros a fecundar a las ninfas o vírgenes una vez al año. Los sátiros poseían una mitad humana, la parte superior, y otra mitad, la parte inferior, con la forma de los machos cabríos. Era una fiesta orgiástica y de fecundación.

A lo largo de toda la historia, el ser humano ha utilizado el disfraz para simplemente divertirse, por una parte, pero también para celebrar bacanales paganas, tomarse libertades en todos los sentidos, liberar impulsos y los deseos más reprimidos, y hasta para cometer crímenes. Quizá sea esta la razón que convierte al disfraz en una auténtica desdramatización de los deseos más recónditos de la personalidad.

FOTO: EYES WITH SHOOT/MIKE MYERS/ANNIBAL/SCREAM/HALLOWEEN...

A medida que se unen las tradiciones paganas y lo religioso, van perdiendo la idea original que la fundamentaba, derivando en el actual Carnaval. El Carnaval es una época de colorido, donde niños, adultos, grupos, carros y calles se llenan de alegría y cordialidad.

Máscaras e identidad
Con un disfraz o una máscara mantenemos oculta nuestra identidad, y esto nos permite hacer o decir cosas que en público quizá nos costaría más o ni siquiera lo haríamos. Cualquier disfraz o máscara, refleja algo que nosotros mismos no nos atrevemos a revelar cuando nos vestimos. Un disfraz nos permite sacar la máscara que siempre llevamos con nosotros.

Así pues, el verdadero éxito del disfraz reside en que quien lo lleva no sea reconocido como la persona que es, sino como la deseada. El pobre se puede convertir en príncipe, el bueno en demonio, el blanco en negro y viceversa, y el hombre en mujer o al revés. Vestiduras que distinguen de ordinario a personas de condición social o sexo diferente a los de la persona que se disfraza. Las personas encarnan aunque tan sólo sea por unas horas, la vida de aquellos personajes que siempre les hubiera gustado ser.

FOTO VICTORIA BECKAM

El disfraz permite sacar temporalmente la máscara que siempre llevamos. La sociedad impone ciertos roles que a veces enmascaran nuestro verdadero ser. Esto quiere decir que una parte de nosotros mismos esta “enmascarada” y cuando nos disfrazamos, nos permitimos ser como en realidad quisiéramos y después nos volvemos a colocar la máscara de nuestra “personalidad socializada”.

Cualquier disfraz o máscara, refleja algo que nosotros mismos no nos atrevemos a revelar cuando nos vestimos en el día a día. El individuo se libera de su identidad establecida, sale a la calle como “otra persona” para dar riendas sueltas a la libre manifestación de su cuerpo y del espíritu. Los disfraces modifican nuestra realidad para permitirnos realizar un sueño o ciertas aventureras.

Máscaras internas
Nuestra personalidad es muy compleja. La misma palabra “persona”, deriva del griego que significa “máscara” y una máscara no es lo que uno es, sino una representación, verdadera o falsa, que se exhibe. Se utilizan en todas partes del mundo porque cada ser tiene diferentes facetas: Lo que somos, lo que queremos ser, lo que aparentamos, lo que los demás ven o quieren ver en nosotros. Estas distintas “caras” de nosotros mismos, la mayoría escondidas, son las que nos hacen desear ser otro de manera subjetiva y constituyen proyecciones arquetípicas inconscientes.

Hoy me ahoga el cinismo
me asfixia la mentira
al mentirse uno mismo
dejas tu alma vendida

Ya no quiero escuchar
tan solo mil disculpas
pero tampoco quiero juzgar
a aquellos que todos inculpan

Me siento sola y aislada
estando cubierta de gente
con un te quiero disfrazado
se me engaña burdamente

Los límites del arte; performancistas

La historia del "performance art" empieza a principios del siglo XX, con las acciones en vivo de artistas de movimientos vanguardistas. Creadores ligados al futurismo, al constructivismo, al dadaísmo y al surrealismo, realizaban por ejemplo las exhibiciones no convencionales.

El arte se encuentra estancado. Solo tiene por público a los propios artistas o a los amantes del arte. La obra de arte no consigue captar al público, solo en museos y exposiciones.

Los performancistas surgen de esta necesidad de captar la atención. Experimentando con los limites del público, de la obra de arte y de la implicación del artista consiguen implicar las emociones del público. Se trata de abordar fronteras. Descubrir que toda persona puede ser artista. El arte no se puede contener en un nombre o lienzo. Lo que queda es explorar las posibilidades expresivas, experimentar de una forma nueva la realidad.

La performance mas que una obra de arte es una muestra escenica, muchas veces con un importante factor de improvisación, en la que la provocación o el asombro, así como el sentido de la estética, juegan un rol principal. Se trata del arte en vivo.

Una de las artístas mas representativas del arte conceptual es Marina Abramovic, artista serbia que empezó su carrera a comienzos de los años 70. Recientemente ha sido descrita por sí misma como la "Abuela del arte de la performance". Su trabajo explora la relación en el artista ya la audiencia, los límites del cuerpo, y las posibilidades de la mente.

Los trabajos más conocidos de Marina Abramovic se definen por su dramatizmo en cuanto a la escenografia .Algunos de ellos concluyen sólo cuando alguien del público interviene. El eje de sus producciones se halla en su propio cuerpo, un territorio para la experimentación y el cambio, soporte de toda su trayectoria.

Su trayectoria artística se puede dividir en tres etapas relacionadas con su evolución como persona, en el mundo artístico al mismo tiempo que según las reacciones de su público ante sus obras.

1ª etapa

Sus principios se centran en la expresión de su pasado; Nacida en Belgrado en 1946, hija de guerrilleros yugoslavos, sus primeras performances fueron una forma de rebelarse contra su estricta educación y la cultura represiva del gobierno de posguerra de Tito.Como todo su trabajo, eran purificaciones rituales encaminadas a liberarla de su pasado.

"Estoy interesada en un arte que perturbe y rompa ese momento de peligro; por eso, el público tiene que estar mirando aquí y ahora. Deja que el peligro te concentre; esta es la idea, que te concentres en el ahora".

La artista trabaja en solitario, y tras un breve contacto con las instalaciones sonoras, comienza a realizar sus primeras performances -Rhythm 4, Rhythm 5, 1974; Rhythm 10, 1975- Siguiendo la idea -común a todos los performers- de sentir el mundo a través de la experiencia personal del cuerpo, la artista trata de interferir en la moral y la consciencia del público, reflexionando sobre los patrones de comportamiento de la mente y el organismo. Así consigue establecer un dialogo activo con el espectador .

2ª etapa

A partir de 1975, y hasta 1988, Marina Abramovic comienza a trabajar con Ulay. Pocas veces en la historia del arte una relación afectiva entre dos artistas ha dado tantos frutos a nivel creativo. Su complicidad y atracción, como su excelente coordinación y entendimiento, les hizo crear un núcleo de trabajo centrado en su propia relación como pareja. Abramovic y Ulay reflexionaban sobre las condiciones dualísticas en las que crecía su relación: hombre/mujer, soledad/compañía, deseos/prohibiciones. Pero también tubierón en cuenta los dolores del amor y los aspectos negativo, el declive y la ruptura.

Cierra este periodo su última acción en conjunto: The Lovers de 1988 donde aparece la idea de desgaste físico, pero también emocional: en apenas tres meses, y cada uno desde un extremo, recorrieron la Gran Muralla China -unos dos mil kilómetros. Cuando se encontraron en el centro, la pareja consumó su separación.

3ª etapa

Tras su ruptura, Abramovic inicia una nueva etapa. Realiza distintos trabajos recuperando los intereses de sus primeras actuaciones; la performance como un espacio para la liberación de los fantasmas personales, pero también como un modo de relacionarse con la realidad. Experimenta con los limites del subconscientes relacionado con distintos estados de la mente y corporales y también reivindicando aspectos sociales.

Marina Abramovic, en los últimos años, no ha dejado de experimentar sobre los códigos artísticos a través del empleo de los nuevos soportes proporcionados por los avances técnicos, vídeo, cine, instalación- demostrando una coherente evolución hacia la madurez en los registros expresivos empleados.

THREADLESS: LA EMPRESA QUE TODOS QUISIERAMOS TENER

Hola a todos, mi intención en este post es explicaros un poco el funcionamiento de una página web que supongo que muchos de vosotros ya debéis conocer, se trata de Threadless ; lo que pretendo es estudiar este modelo de web como ejemplo de empresa perfecta.

QUE ES THREADLESS?

Antes de empezar a anlizar la web desde un punto de vista más de empresa explicaré para los que no sepan o no tengan ganas de darse un paseo por la web qué es Threadless.

Pues bien Threadless se dedica a la producción y venta de camisetas por internet. Los usuarios se crean una cuenta y a partir de ahí forman parte de la comunidad de la página. Eso les permite comprar las camisetas que más les gustan, presentar sus propias propuestas (siguiendo unos parámetros que impone la página) o votar y debatir sobre los diseños de otros. Es un claro ejemplo de web 2.0 donde el consumidor es también parte activa dentro del proceso de elaboración y selección de los diseños que luego saldrán a la venta.

La página esta dividida en cuatro grandes apartados: THREADLESS, TYPETEES, SELECT y KIDS!, todos ellos relacionados, la diferenciación es más por temática o target pero todas las secciones funcionan del mismo modo.

El primer apartado "Threadless" conforma el grueso de la página, es como la sección principal donde uno puede ver los diseños de las demás secciones y las del propio apartado.

Typetees:

Es una variante donde los usuarios no cuelgan sus ilustraciones sino frases ingeniosas. La principal diferencia está en que ellos no se encargan de diseñar sus propuestas, tan solo escriben la frase y es un diseñador de la empresa quien se encarga de llevar a cabo el producto final. Se podría decir que el usuario tan solo propone la idea.

Select:

La sección de Select yo la veo como la de las camisetas raras, de hecho se trata de camisetas temáticas; cada semana la web propone un tema y se pueden hacer todo tipo de diseños con ese tema de trasfondo. Son camisetas más exclusivas.

KIDS!:

Kids! viene a ser un Threadless para niños. El funcionamiento es exactamente igual que el primero pero las temáticas o la formalización de las camisetas tienen un aire más infantil.

THREADLESS COMO MODELO DE EMPRESA:

Una vez enterados de como funciona la página y de los distintos apartados que la conforman voy a hablar sobre el modelo empresarial que todo esto supone; y es que como ya he dicho veo de Threadless una empresa brillante.

Todo empieza en el momento en que te das de alta como usuario, en ese instante pasas de ser un simple espectador a un "empleado" más de la empresa. Y es que estos de Threadless son muy listos, se lo han montado de tal forma que ellos solo ponen el soporte, todo lo demás te lo haces tu.

Empezando por los diseños de las camisetas:

Como diseñadores nos podemos hacer una idea de lo que costaría tener contratados a ilustradores que se dedicaran a hacer diseños cada semana sin descanso alguno, pues bien Threadless con tan solo 2000 $ de premio propone un concurso, donde tu des de tu casa puedes presentar un diseño y otros como tu tienen derecho a votarlo y elegirte ganador. Con eso consiguen miles y miles de propuestas y solo las mejores, es decir las que más gustan al gran público, son las elegidas, tan solo 5 o 7 a la semana se llevan el "gran" premio de 2000$. El resultado es venta segura, pues las elegidas son las que más gente ha votado y si lo ha echo es porque les interesaría tenerla.

Pero la cosa no acaba aquí, una vez tienes tu ilustración hecha ¡Hay que promocionarla! Threadless se encarga de proporcionarte unos archivos base para que puedas promocionar tu diseño vía mail, facebook, twitter, y algunas redes sociales más, con lo que consiguen contentarte por tenerlo tan masticado y empezar a taladrar a todos tus conocidos (y los que no son también) para que voten tu diseño, ¡¡Son 2000$!! y así hagas una magnífica y gratuita campaña publicitaria de la web, pues como ya os podéis imaginar, para votar es imprescindible estar registrado. Y así se genera un proceso de boca-oido que les funciona a las mil maravillas.

En estos últimos años he podido ver el buen funcionamiento de la empresa con más concursos, más secciones, más interactividad y nuevos productos.

Threadless va creciendo a la par con las redes sociales, y el concepto de web 2.0. No es la única, hay varias que hacen lo mismo pero pienso que este es un claro ejemplo de como hacer negocio a partir de el uso de las nuevas aplicaciones y de la evolución de internet.

OTROS MODELOS DE EMPRESA INTERESANTES:

Como ya he comentado son muchas las empresas que hacen uso de las nuevas prestaciones que incorpora este modelo de web tan interactivo, un ejemplo que me parece muy atractivo y digno de comentar es el de MOJIZU, tiene muchísimas similitudes con Threadless pero el concepto es algo distinto. En Mojizu también has de hacer diseños, ilustraciones pero esta vez no son para estampar camisetas, tan solo has de diseñar un personaje, colgarlo a la página y ver su evolución.

Al igual que en Threadless una vez cuelgas tu personaje estas participando en un concurso, la gente te lo puede votar, lo puede adoptar, te puede comentar lo mucho, o poco que le gusta, etc, etc. Y así tu personajillo va consiguiendo votos.

Si superas una cantidad (no se cual) pasas de nivel, a la categoria de HOT MOJIS y si por casualidades de la vida tu diseño gusta mucho tienes el honor de entrar en la ¡MOJI WAR! Es el top del torneo, cada semana hay una con los mojis que entraron un mes antes, son vs de uno contra uno, donde la gente directamente vota si les gusta mas el tuyo que el otro. Es muy interesante ver como las relaciones son muy importantes para ganar este torneo, hay verdaderos expertos en ganarse a la gente, por que la página a la vez se convierte en una excelente forma de darte a conocer y en un entorno agradable incluso poder hacer Networking.

(Como anécdota personal he de decir que conseguí ganar una vez la Mojiwar con un personaje que llamé Glucosa, el premio eran 100 $ y aun los espero, pero ahí está.)

Cambiando completamente de ámbito ahora os voy a hablar de otro modelo de empresa que encuentro genial y que tiene ciertas similitudes con lo que llevo hablando todo este rato; se trata de ISTOCKPHOTO.

ISTOCKPHOTO utiliza el mismo sistema que Threadless en el sentido de que ellos solo ofrecen una plataforma y, en este caso, una gestión de contenido y elaboran un proceso de selección de aquel material que consideran, cumple con los requisitos de la página.

En este caso concreto fotógrafos profesionales o gente que simplemente hace fotos de cierta calidad suben el material a la página, ofreciendo su producto a istock con el propósito de llevarse una comisión por foto vendida. Así de simple, los usuarios entran en la página y empiezan a comprar aquellas fotografias que más les interesan según sus necesidades y si eres el afortunado te llevaras un pequeño porcentaje, que pensándolo bien no está nada mal pues de lo único que te has de preocupar es de que tu foto sea la apropiada. Seguimos con este concepto de hacer dinero a partir del talento de otros, tan solo llevando el compás de pequeños genios consiguen crear toda una red y un microcosmos que se va regenerando por si mismo.

Por último me gustaría tratar otro concepto de página web que en mi opinión se mueve un poco entre lo que sería Threadless o Mojizu y el otro extremo que es istock, hablo de Deviantart.

Al principio, hace ya varios años, cuando descubrí deviantart veía la web más como una plataforma donde uno se podía dar a conocer y podía compartir sus trabajos con el resto del mundo de una manera muy enfocada a todo el mundo del diseño y la ilustración, y pienso que hoy en día éste sigue siendo su punto fuerte. Sin embargo, y cada vez más, voy viendo como hay imágenes que solo están disponibles si se compran o como los creadores de Deviantart están aprovechando el tirón de la página para vender sus productos. Por eso lo meto dentro del saco de este grupo de empresas, sin embargo esta página tiene un mayor grado de red social que las otras.

En mi opinion estas empresas representan muy bien la adaptación a los nuevos medios y lo importante que es ser conocedor de todas estas nuevas herramientas que nos rodean hoy en día y que avanzan a velocidades de vértigo. Es la nueva forma de hacer negocio, usar internet no solo como arma de comunicación sino como estratégia de empresa. En todos los ejemplos se ven unos rasgos similares que son la relación e interactividad con el usuario y el uso de las redes sociales como herramienta de disfusión. En definitiva podemos decir que estas empresas representan negocios 2.0.

Sergio Castaño.

L' (anti)monument

Des del punt de vista etimològic, el concepte alemany “denkmal”(monument) fa referència literalment a la funció primordial i específica d’un monument: el fet de ser una marca en l’espai públic que convidi a pensar (denken) i que proporciona referències que ens permetin reconstruir el camí de la història.

Els monuments diuen molt més de nosaltres que de la història. A partir d’aquesta certesa, alguns artistes han optat per inventar, proposar i realitzar “antimonuments” o monuments negatius com un nou i radical art de la memòria. Crea una poètica que s’instaura com una oposició mediatitzada i sistemàtica a tota forma d’autoritarisme i a la instrumentalització de la memòria amb finalitats polítiques immediates. Cosa difícil tractant-se d’intervencions en l’espai públic.

Aquests artistes són els que han volgut representar el que va significar la Segona Guerra Mundial per a tots aquells que hi van sortir perjudicats: les víctimes de l’holocaust.

Entre els artistes hi trobem Gunter Demnig, Micha Ullman, Horst Hoheisel, Renata Stih i Frieder Schnock i per últim, Christian Boltanski.

"Un hombre sólo se olvida cuando se olvida su nombre”

Aquestes són paraules del primer artista que he anomenat, Gunter Demnig(Berlín, 1947), segur que aquestes paraules ens ajudaran a entendre molt millor el significat de la seva obra.

El que fa Gunter és partir del concepte de stolpersteine (obstacle en el camí, que fa caure).

El que vol és fer memòria al destí dels éssers humans que van ser deportats i assassinats pels nacionalsocialistes; gitanos, persones políticament oposades, membres de moviments de resistència, homosexuals, testimonis de Jehová i víctimes de l’eutanàsia per mitjà d’un entrevanc, algun acte que molesti per tal de què el record es generi expressament.

Per a aconseguir-ho la seva obra consisteix en crear un cub de formigó de 10 cm de costat, cobert amb una placa de llautó, marcada amb la inscripció del nom, l’any de naixement, el destí de la persona i la data de deportació o de la mort.

El cub es col·loca a la acera o al carrer, davant de la porta de l'últim domicili de la víctima. Cada cub costa 95€.

El següent artista és potser el més conegut per la població, es tracta de Micha Ullman(Tel Aviv, 1939) doncs la seva obra es troba en una de les places més visitades de Berlín. Ell cita "Creo lugares que están vacios y que permiten el reencuentro con uno mismo. Nos obligan a recordar", doncs, es dedica a crear espais buits, en aquest cas una biblioteca amb capacitat per a 20.000 volums de llibres, els que van ser cremats el 10 de maig de 1933. Es tractava de llibres sel.leccionats pels nazis pels seus “continguts antialemans” aquests van ser tirats al foc a una immensa foguera en la què es van consumir, a més a més, innumerables escrits d’autors jueus, obres de Marcel Proust, H. G. Wells, Jack London, Thomas Mann.

Sigmund Freud va comentar ironicament que en realitat aquest fenomen era un avanç en la història humana. “En la Edad Media, ellos me habrían quemado”, d’altra banda el poeta jueu Heinrich Heine digué “Ahí donde queman libros, acaban quemando hombres”.

Doncs bé, Micha Ullman va crear la “biblioteca” subterrània en la plaça berlinesa August-Bebel-Platz, ell construeix les seves escultures sobre la terra i cava les seves obres sota el terra.

El pròxim artista, Horst Hoheisel(Polonia, 1944), ha fet diverses obres, algunes de més personals, i d’altres més generals.

"Las grandes obras pensadas como conmemoración destruyen el recuerdo de las víctimas en vez de conservarlo.“

Utilitza el concepte de denkezeichen (marques de la memoria) per identificar els seus projectes.

El primer projecte el dugué a terme en la seva pròpia ciutat, Kassel.

Tot començà amb la donació d’una font a la ciutat de Kassel per Sigmund Aschrott el 1908, es tractava d’un pinacle neogòtic de 12m d’alçada. Ràpidament aquesta es va convertir en un referent i un orgull pels habitants de la ciutat. Però el 9 d’abril de 1939 va ser destruïda per activistes neonazis.

Entre 1941 i 1942, més de tres mil homes, dones i nens de la ciutat van ser enviats a camps d’extermini. Un cop acabada la guerra, el lloc que abans era ocupat per la font ara era substituït per gespa i flors, i més tard s’aixecà allà una altra font, doncs ja ningú volia recordar la de Aschrott ni la tragèdia que la seva destrucció simbolitzava, però el 1986, l’alcalde de Kassel plantejà un concurs per a construir una nova font a la plaça semblant a l'anterior, la qual significaria una mena de reconciliació entre víctimes i victimaris.

Hoheisel li envià una carta discutint el projecte, acompanyada del dibuix d’una altra proposta. El que ell proposava no era una nova forma, sinó simplement construir la mateixa font d’Aschrott però en negatiu, enterrant-la sota terra com una ferida oberta, amb els seus 12m de profunditat.

"La forma que los alemanes destruyeron entre 1933 y 1945 no puede ser recuperada ya, ni mental ni físicamente .La destrucción de la forma de piedra fue seguida por la destrucción de la forma humana. La única manera que encuentro de hacer esta pérdida visible es a través de un espacio perceptiblemente vacío, que represente el espacio que una vez estuvo ocupado. En vez de seguir buscando continuamente una nueva explicación o interpretación de lo que se perdió, prefiero enfrentar la pérdida como una forma desaparecida. Una escucha reflexiva al interior del vacío, del negativo de una forma irrecuperable, donde la memoria de lo que se ha perdido resuena."

El 1995, junt amb Andeas Knitz van realitzar el “Memorial del memorial” per la celebració de l’alliberament dels presoners de Buchenwald. Recuperaren la memoria a partir d’antigues fotografies d’un obelisc de fusta que uns dies després de ser alliberats, els supervivents van col·locar en el lloc més sinestra del camp a la memòria dels morts allà.

Hoheisel i Knitz senyalaren el lloc d’on havia estat aquell obelisc i van col·locar a l’entrada del camp una placa d’acer inoxidable amb el dibuix d’aquell obelisc i la paraula “humà” repetida en totes les llengües de les nacionalitats de les víctimes. Aquesta placa es manté constantment, dia i nit, hivern i estiu, a 37º: la temperatura del cos humà.

"Es una señal muy sensible, la gente se arrodilla y la toca para sentir el calor. En los días fríos el aire vibra sólo en ese punto del lugar vacío. A veces se puede transformar el calor técnico en calor humano."

El 1997 Horst Heisel podriem dir que va dur a terme el seu projecte més radical.

S’inicià un concurs per decidir què fer amb els edificis i barraques que havien estat de la Gestapo a Weimar. Ell va proposar, de manera contundent: demolir-los, i evidentment ho dugué a terme.

"Creo que fue posible porque las barracas eran horrorosas, —reflexiona— cuando propuse en el concurso para el Memorial a las víctimas del nazismo en Berlín demoler la Puerta de Brandeburgo me dejaron fuera de concurso. Claro que era una propuesta muy fuerte, era hacer una pregunta difícil: ¿qué estarían dispuests los alemanes a dar por la memoria del Holocausto? ¿Su propia memoria?"

També va dur a terme un projecte que consistia en la projecció de la porta del camp de concentració d’Auschwitz, durant una nit sencera, sobre la porta de Brandeburg, a Berlín.

"Los monumentos están vivos mientras se discute sobre ellos. Una vez instalados, esas moles de mármol, bronce o concreto, por más grandes que sean se vuelven invisibles, se olvidan. Vuelven a estar vivos cuando se empieza a pensar en su demolición."

Així és com diu que dona el sentit a les seves obres, per mitjà d’actes radicals que impressionin a l’observador i que el facin inspeccionar i aprofundir-se en tots aquests monuments, o més ben dit, “antimonuments”, que estan davant seu.

El que pretenen aquests dos artistes, Renata Stih i Frieder Schnock, és renunciar al tipus de monument clàssic i solemne i optar per una instal·lació de “disparadors de records”en els espais públics que siguin discrets però a la vegada sorprenents.

El 1993 Renata i Frieder van iniciar un projecte al barri Bávar del districte de Schöneberg a Berlín, concebut com un monument contra l’antisemitisme. Van realitzar 80 díptics de colors que es muntaven als carrers i que recordaven als cartells indicadors o publicitaris. Els pictogrames de les parts frontals dels cartells estaven relacionats amb els textos inscrits en la part posterior. El contingut d’aquests textos estava agafada de les disposicions i les lleis nacionalsocialistes. Ho van anomenar “Bus Stop – The Non-Monument”.

Missatges com :

“Aryan and non-aryan children are not allowed to play together”

“On the Bavarian Place, jews may sit only on yellow park benches”

“Bath and swimming pools in Berlin are closed to jews”

“Telephone lines to jewish households will be cut off”

I l’últim artista a anomenar de la saga dels antimonumentalistes és Christian Boltanski (París, 1944).

“Se dice siempre que uno muere dos veces: una primera vez, y una segunda cuando alguien encuentra una fotografía tuya y ya no sabe quién eres.”

La seva obra la componen robes utilitzades de gent no present, caixes de llauna a mode de reliquiaris sagrats, fotografies borroses de víctimes dels nazis i teatres d’ombres de figures fantasmagòriques. Aquesta iconografia constant que prové d’allò autobiogràfic, la religió acompanyada de la idea de fragilitat, la cosa que no és material, temes clarament identificables com la infantesa, la mort, la guerra, els desapareguts, la cotidianitat, el món de la imatge i la fotografia, la pèrdua d’identitat...

El passat, és presentat per ell d’una manera misteriosa i fosca que la converteix en un signe de la mort, són representacions de la mort però també records de la vida.

Christian Boltanski en una entrevista va declarar:

“Pienso que una de las razones por las cuales utilizo la luz es porque ésta es una imagen de la vida y puede extinguirse a cada instante. La vida es muy frágil, es como una vela, es nada; tú tienes algo que es la vida y esa cosa puede en cualquier momento desaparecer, constantemente.”

I segueix...

“Entonces en mi trabajo hay una idea del monumento, pero de un monumento muy frágil. Los monumentos que hago no son de mármol, no son de metal, es nada, es muy frágil, entonces siempre hay esa contradicción entre el deseo de hacer monumentos, de preservar, y al mismo tiempo, hago todo esto con recursos en extremo débiles, y hay una especie de paradoja. La utilización de la sombra, naturalmente, está ligada a la idea de la muerte.”

Fa referéncia al comportament de la religió jueva com a reflex en les seves obres;

“Esto siempre se encuentra en las historias tradicionales: la contradicción, y también el hecho de que tú eres pretencioso y al mismo tiempo no eres casi nada. Esto es lo que caracteriza a los judíos: ellos son a la vez Hijos de Dios y elegidos de Dios - si eres judío, eres elegido de Dios - y eres el último de los hombres.

Entonces en mi trabajo con los grandes monumentos, al mismo tiempo hay cosas muy, muy importantes y hay cosas de burla.”

M’agradaria aportar una petita conclusió a tot aquest recull d’artistes antimonumentals.

Trobo que tots ells tenen en comú l’arrossegament d’una angúnia. Pretenen arribar molt lluny a l’hora de crear les seves obres, de voler transmetre moltes coses passades, de despertar els sentiments més profunds, d’arribar a les persones més pròximes i a l’hora a les més llunyanes de les víctimes de l’holocaust. Pretenen solucionar preguntes com les que es planteja Horst Hoheisel: “¿Qué va a ocurrir?, ¿Qué va a ocurrir cuando mueran el último sobreviviente y el último victimario del Holocausto?”

I suposo que és per la por d’aquesta resposta que tots ells fan les obres que fan, intentant provocar d’alguna manera a l’espectador per tal que arribi a sentir o almenys a conèixer allò que un dia van viure un sector de la població mundial.